“所有人都《至爱梵高》：解析首部手绘油画绘制动画”

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文/ಏ氏

七月来临的时候，走向田野的金黄色

喧闹的乌鸦群，汹涌的麦浪

为什么举起来了？

不是画笔，是手枪吗？

那个声音没有唤醒世界

等了100年才收到反响

──在余光中，“荷兰吊桥:梵谷百年祭之二”

今年最厉害的动画电影，明年奥斯卡的人气候选人

今年被誉为中国动画电影的大年。 从年初到年末，中国上映的动画电影数量之多、种类之繁、风格之变都是往年最多的，如全球口碑火爆、以墨西哥亡灵节为背景的温情故事《寻梦环游记》，如日本大热时的商业大片《刀剑神域:序列之争》， 。 都是可以让大人和孩子都享受的很棒的动画电影。

并且，作为这部动画大年结束，5天前正式上映的《梵高大师空之谜》( loving vincent )是一部格调很高的压轴级作品，历史上第一部，每一个画面都是用“真正的油画”描绘的动画。

这是来自波兰的动画企业breakthru films于年发起的壮举。 年，他们开始筹款，他们宣布拍摄史上第一部油画动画长片，片长超过60分钟，预算500万美元(最后达到550万美元)，每帧画面都用油画绘制，荷兰画家文森特·威廉·戈特。 例如。 并且，他们宣布，这部电影不仅将梵高献给画面，剧本也是100%的历史剧，主题是梵高身世之谜。 当然，我认为“爱梵高”的募捐完成得很快。 breakthru films和trademark films很快开始制作电影。 经过两年，终于在今年年初完成了。

众所周知梵高是人类历史上最好但最神秘的画家之一。 尽管他的名声在20世纪后如日中天，但作品常常创下天价。 比如前年在苏富比( Sotheby‘s’)拍卖的梵高遗作《雏菊和罂粟花》( still life，vase with daisies and poppies )，最终达到了6180万美元。 但是，他在活着的时候保持沉默。 他没有有名的艺术家的父母。 没有用画出名号，没有养活自己，没有接受过正统的艺术训练，也没有进入当时文艺家的主流圈，只是一幅脑残画卖不出去的画，度过了一生，终于在开枪自杀的医院结束了一生。 因此，要认识梵高，只有通过他的画。

《至爱梵高》就是如此。 全剧利用梵高留下的八百封信和二千幅画，将梵高的一生穿插在史实的旅途中。 全剧从梵高自杀的消息传出后的时间开始讲故事，邮政局长鲁林的儿子阿曼德(这两个人真的有那个人，也给梵高画过肖像画)不知不觉中为这个可怜的人发了信，但不知不觉中，这里 而且终极问题是梵高是自杀吗？ 还是另一个秘密？ 梵高的亲笔画配合梵高的实际体验，虚实，使《梵高之爱》成为用图画说话、用故事描绘的魔法作品。

年，本作品的试映，是6月12日在田纳西州国际动画电影节( theannecyinternationalanimatedfilmfestivallefestivald‘Annecy (世界最长的动画节) )的世界上与少年老翁争斗的首映

9月，《至爱梵高》的全世界院在网上上映后，更是褒贬不一，口碑不断。 在目前开奖的年度电影奖项中，仅《至爱梵高》就获得了金球奖、安妮奖、波士顿影评人协会、旧金山影评人协会、华盛顿特区影评人协会的提名、欧洲电影奖和新墨西哥影评人协会的获奖， 有人笃定明年二月《至尊梵高》和北美《寻梦环游记》两家将决一雌雄。 尽管是史上第一部油画动画的长片，但《爱梵高》显然早就名垂青史。

油画动画由来已久的难题:从迪士尼到彼得罗夫

油画动画有什么精彩的？ 不是把动画的画纸变成油彩吗？ 确实，不怎么接触动画的人，可能不会理解。 但是，稍微解释一下，就一定能够理解《梵高》挑战完成70分钟油画动画的长片是多么惊人的壮举。

从西方艺术史来说，油画( oil painting )无疑是西方绘画后期最重要的表现方法之一。 这幅画与梵高的故乡荷兰有着密切的关系。 因为油画的突然故事是在公元15世纪由荷兰(梵高的故乡)发明和发扬的。 油画的特色是用亚麻子和颜料油彩在布料上画画，由于颜料的遮盖力高且不透明，能产生水彩画和蛋彩画无法做到的惊人的立体感和渐变感。 “维纳斯的诞生”( the birth of venus )是一个典型的例子，围绕着画中的女神、女神周围的风神花神、云天和爱琴海，藉由各自远近清晰和谐的姿势，这利用了油画颜料独特的立体感。

油画这一优势与欧洲当时新兴的透视法( perspective )相辅相成，建立了文艺复兴王朝，诞生了达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗等才子，奠定了油画在欧美艺术史中的主流。 一些真人电影的拍摄效果有意放弃写实照片，相反模仿《巴里·林登》这样独特的油画质感。

但是，油画法在动画的100年历史中，相反极端不是主流。 其理由有两个。 一是因为油画本身的特征难以控制。 另一个原因是创造价格的压力。 因为油画很少用于动画，特别是动画的长片。

先说一下价格。 从技术上讲，动画的本质是通过从帧到帧的静态图像的连接而高速跳跃动态生成的，因此需要大量的画师绘制极大量的静态图像原稿。 动画长篇开山笔祖华特迪士尼和他的迪士尼企业为了推动《白雪公主和七个小人》这部83分钟的动画，画了整整10万张以上的静止画，但不是草稿和废稿！ 这个拍摄几乎让华特迪士尼破产，必须考虑重复帧，转用技术等将来节约原画的方法(这一点将在后面叙述)。 。 要在拍照时间内发这么多稿子，光用墨水笔就很着急。 没有别的油画方法，只是画画很费工夫，很费钱。 时间压力紧迫，画画和画画之间动作快的时候，细节差别不大，油画自然不是动画师的主要选择。 所以，一百年来，任何动画都不敢用油画打底。

重新研究特征。 尽管油画对一幅画的透视感相当深，但动态地放置在一致的图像画面上，反而会侵蚀透视感。 什么意思？ 由于动画是由一帧静止图像连接而成的动画，在这种情况下，动画常常区分以不同的颜料和着色站在前景的角色和放置在背景上的建筑，概念与真人电影的照相机一样以浅焦点区分前景和背景，观众的肉眼在一系列动作中混淆。 在商业流传至今的浓厚的日本动漫界，人物多为细胞色，背景多为广告颜料，只有追求实验性或强烈风格的作品，如《新破里拳polimar》在尝试细胞色。 但是，如果背景和人物都使用油画这种丰满不透明的上色方法，反而会混淆属于这种图像的远近感。

价格和特征成了油画进入影像世界的难题。 作为绘画的远亲，动画不像剪纸、砂纸、泥塑动画那样，放过在动态行业中使用油画的可能性。 但是，当油画变成动画时，动画师必须克服这个远近不确定的问题，展现油画的美丽。 不得不说，这个领域的领导者不过是亚历山大·彼得洛夫( aleksandr petrov )。

彼得罗夫来自苏联，在接受苏联动画全盛时期的美学教育，决定以油画动画为自己的终身志向后，花了40多年研究创造了一系列油画动画。 彼得罗夫的方法不是简单地把原画变成油画，而是把油画颜料涂在玻璃板上，克服油画层次感不丰富的平面缺陷。

他的这种做法取得了很大的艺术效果。 例如在《春天的觉醒》( my love )中，少年少女娇艳的脸在从窗外透出的阳光中浮现出深深的羞涩。

在《老人与海》( the old man and the sea )中，汪洋大海、无边无际的蓝天、无底的深蓝色色调，仿佛要深深地吞噬老人和观众的眼球，发挥着自然的威力和残忍。

所有这些都完全利用了油画与动画相结合的完美成果，彼得罗夫有意无意地将油画最好地应用于19世纪的两个行业——肖像画和史诗剧，也重新投入到了20世纪和动画世界。

《至爱梵高》的转录技术:数字技术的新解答

那么，“至爱梵高”是如何克服这两个问题的呢？ 答案是数字技术。

为了完成这部动画，breakthru films共画了65000张动画原画。 换句话说，是65000幅逼真的油画。 为了多完成这样的油画，同室的30名专家不仅必须另外接受几周的临摹训练，还必须招募许多业余画家参加，最后动员了115名画师。 考虑到图书的价格不足600万美元(其中4成来自大众采购)，这真是一项惊人的投资。 全片完成后，这些剩下的油画将部分错开展出，部分将在网络拍卖中重新利用。

大量的动作跟踪( rotoscope )数字技术是本作品的秘密武器。 转换技术的历史相当悠久，可以追溯到20世纪30年代。 动画企业在工作室首先拍动画剧本，录制，然后请动画师和这些视频拍照，达到生动的效果，颜色键( chroma key，俗称的绿屏)技术的前身，如最初的“星球大战”光剑

《至爱梵高》采用了调光和简单的动作切割等近年来很流行的，可以在视频阶段进入部分后制的数字技术的转录。 他们邀请了10多位演员，先演出了一次全剧，而且毫不疏忽地对着摄像机在真人电影的镜子位置走，115位画师用油画画了它。 但是，画师也不能单纯地描摹，而是要将演员的神态和梵高的画结合起来，涂上怎样鲜艳的颜料，艺术化地润饰扭曲的透视细节。

换言之，《至爱梵高》将数字技术与以前流传下来的手动混搭合作，在油画和动画两种材料之间加入一种媒体——真人演出，搭建桥梁，克服油画动画的缺陷，达到静态和动画的和谐与结合。 这是华特迪士尼和亚历山大·彼得罗夫无法想象的，只有21世纪的动画拍摄方法。

《至爱梵高》的灵感来源:从艾伦·雷乃到黑泽明

但是，《至爱梵高》的这个创意，用梵高的画讲述梵高的一生，并不完全是原创，很可能来自法国导演艾伦·雷纳在1948年拍摄的短片《梵高》( van gogh )。

艾伦·雷诺出生于1922年，年事已高，是法国本潮电影崛起的导演之一，以大胆大胆的电影拍摄法而闻名，其代表作《去年在马里昂·伯德》等各种表现技法影响了现代电影，被誉为电影界的革命家。 雷乃经常拍纪录片，带他大胆的方法去看纪录片。 二战结束的十年间，他挑战了过去很少尝试的行业:拍摄非生物和静物、雕像和解说员组合的“雕像也会死”、混搭新闻照片再现纳粹集中营的“夜晚和雾霾”、毕加索的画和保罗。

《梵高》是雷乃评价最好的一张。 这部不到20分钟的短片(也有35分钟的版本)，为他赢得了当年的奥斯卡和威尼斯电影节的双奖。 更令人惊讶的是，他没有花任何剧团成员。 在这部电影中，雷乃尝试了拍摄新电影的方法。 梵高一生的故事是将梵高的油画一幅接一幅地“拆解”在照相机前，然后颤抖、旋转、放大、缩小。 。 把梵高一生的故事放回“小组”。

举一个例子吧，梵高发狂割掉自己的耳朵后，《梵高》出现了这样一系列的连续画面。

画面中出现的4幅画是从梵高在1987~1988年两年间画的“自画像”和同年画的代表作“向日葵”之一中收录的。 和创作时间没有任何关系。 但是，在电影般的剪裁下，观众可以强烈地感受到梵高的眼睛在特写镜头下渐渐失去了光芒。 鲜活的向日葵应该被特写和特写，铀黑无底的诗蕊逐渐扩散，就像梵高的内心世界一样，黑暗的角落渐渐侵蚀着明亮的灵魂。

结果，他身边的小花也消失了，对他脸上的洞也没有一点同情了。 于是，疯狂的行为突然降临，画面再次旋转。

这个画面从上到下，分别是梵高的“房间”、“拿撒勒复活”、1889年的“自画像”三幅。 他们之间没有关系，房间是梵高自己的卧室，拿撒勒的复活是以基督的复活为主题的圣画。

但是，在电影的重新组合下，这三幅画突然变成了有意义的连续故事:梵高在自己的卧室里发狂，无视前来阻止的女性，做出了疯狂的行为。 然后，在疯狂和疯狂之后的眩晕(卧室画面淡出像的眼睛逐渐模糊)中，梵高失去了他的耳朵，眼球依然。

这俗称“蒙太奇”，把两幅有各自含义的画并排摆放，就会产生第三种新意。 雷乃的《梵高》，正是以梵高的画为基础，重新排列成理解他一生的道路的。

这部电影问世时，曾受到许多画家和艺术评论家的批评，认为这是电影对绘画艺术的恶意扭曲(请想想那是电影还不够高雅的时代)。 。 电影评论家andré bazin跳出来平反，说雷乃的这种拍摄方法不是扭曲的，而是“给绘画增添了新的存在形态”。 为什么要这样设计电影？ 理由也很简单。 有什么史料和数据，比梵高自己对自己的画诚实更可靠吗？ 与其感冒捕捉影子，不如捕捉他的画让他自己“说”梵高的画，更深入梵高的生命。 因为他在用他的生命画画。 不是吗？

除了艾伦·雷诺外，另一位电影大师黑泽明似乎也为《爱梵高》的创作指点了奇怪的道路。 这是他以梵高为主角的短片《乌鸦》。

《乌鸦》被收录在电影《梦》的第五篇中，讲述了一位日本画家在美术馆欣赏梵高的画《阿尔吊桥》时，突然被吸入画中的世界，与梵高相遇的故事。 梵高追赶太阳找个画画的地方，画家跟上了。 画家看到的是梵高的画。 他走在这些画里，进入“翻土田野”的田边，走在“收获的景象”的小路上，徘徊在素描树之间，走在油彩的阿尔地上……最后，“群鸦”的田地(也是“至爱梵高”剧的重要场景)

这篇短篇是黑泽明晚年的反思。 他年轻时梦想着和梵高一样成为画家，但同样没有受过正统的美术教育，依靠父母和哥哥资助。 唯一不同的是，自杀的不是他，而是他哥哥。 这件事结束后，黑泽明放下画笔，转行到电影圈，但绘画的梦想一直没有死。

《乌鸦》的主人公画家是黑泽明的投影。 他追着梵高，相信梵高为艺术而出现的热情，认为割梵高的耳朵很容易画肖像画(他自认不听)。 但是，因为黑泽明看不到梵高，所以绕道欣赏梵高的画，发自内心的共鸣，只有自己真正在同一片土地上呼吸，才能进入梵高的生活，解放自己的生命……

这不是“至爱梵高”的雏形吗？

来自历史的大头棒说:“为什么要关注他的死而不是他的人生？ ”。

我可以在那里问最后一个问题。 《梵高·海》、《乌鸦》、《梵高》自不必说，为什么要这样拍摄呢？ 只是为了放油画而把画面弄干净吗？

也许是这样。 但是，更深刻的答案是，只有用这样的画来画的摄影法，我们才能看到梵高真正的灵魂，而不是后世人听到涂鸦的八卦肖像画。

梵高可能是世界上拍摄最多的电影、电视剧和游戏艺术家。 梵高这部作品百度都有两打，有写实客观风的(莫里斯·皮亚拉导演的《梵高》等)，有纪录片考证风的(本尼迪克特·康伯奇主演的《梵高:绘画人生》等)，梵高的绘画流通

在这些人的笔下，梵高既是名人，又是公众人物，和艺人政治家没什么两样，是被拍摄的客观存在。 但梵高的一生如此神秘，怎么办？ 在他的信和20世纪后的欧洲画坛给他的谣言、八卦、猜测和加油添油加醋，拼凑出“粉丝想象的梵高”，满足这些想象者的沉迷，或者说，是这些想象者想让梵高看到的自己的影子。 这样的电影改编看起来很客观，但有时很主观。

但是，正因为有梵高的画，才有社会对梵高的发现，这就是历史的真相。 正如几天前去世的作家余光所说:

七月来临的时候，走向田野的金黄色

喧闹的乌鸦群，汹涌的麦浪

为什么举起来了？

不是画笔，是手枪吗？

那个声音没有唤醒世界

等了100年才收到反响

于是500万人过桥去了

酒店、餐厅、美术馆都满了

在慢腾腾的队伍中探出头来争着看

除了你弟弟

没有人和你在一起

我过桥去看了

向日葵

鸢

星光之夜

──在余光中，“荷兰吊桥:梵谷百年祭之二”

在《至爱梵高》中，主人公阿曼德为了解开梵高的自杀之谜往返于巴黎和乡村之间。 但是，和梵高有关系的玛格丽特向他痛斥了一顿。 “为什么要关注他的死而不是他的人生？ 阿曼这才震惊了。 我对自己汲取的这个身体的死亡抱有好奇心，他关心过他的人生吗？ 在这次旅行中，阿曼看到、逗留、居住梵高描绘的各个角落，从“位于艾尔的咖啡店之夜”“夜晚的咖啡馆”到他的“房间”、“瓦兹河畔游艇”……处处梵高描绘出最美好的美

“每个人心中都有早期的风景。 那可能是你内心深处。 最开始也是最后一个安静的地方。”日本学者八城薰道。 《至爱梵高》的阿曼德，就像《乌鸦》的日本画商一样，象征着喜欢梵高的我们。 我们对梵高很感兴趣，寻找他的死亡之谜，但不知不觉地迷失了，忘记了我们被他吸引的理由，是对他所画的一切的热情，不是他画后的挫折。 梵高是个失败的人，他想当牧师却被开除了，他不擅长当画商，他想在巴黎创作却不能出圈，他想画画却一生只卖一幅画，他有一万种轻生的理由。 但是，我们要为他的轻生看他的画吗？ 不。 梵高的一生对我们来说真正的意义是他的人生画了画，而不是画完成了他的人生。 只有了解他的画在画什么之后，再谈他的人生才有意义，也是传记片本身的意义。

这才是真正为画家制作传记的做法，而不是把他看成伟人的英雄。 在《至爱梵高》的结尾，死亡之谜解开，但阿曼更不了解梵高。 他不满的时候，抬起头看着夜晚空，看到了和梵高一样的景色，看到了每颗星星都向着自己闪耀。 这个“星星空夜晚”比任何真相都更接近梵高，更接近热爱生命的艺术家的灵魂。

结语。

与家乡画家伦勃朗壮大商人生活的一生相比，梵高的生活平凡无奇。 但是，后世对梵高的好奇心远远高于伦勃朗，比如说，没有人想为伦勃朗筹集资金拍摄专门为他制作的油画动画长片，但梵高却在。

作家蒋勋认为梵高不奇怪而是纯粹的，我们害怕他的纯粹，恐惧反而偏离了平凡。

梵高是精神病医生，但他看到了最纯净美丽的东西。

我们很正常，但是我们看不见。

一般来说，是说我们妥协太多了吗？

我们不知道，坚持妥协，我们已经流失了真正纯粹的自我。

我们可能在向日葵前掩面而泣。 我们可能在自画像前大叫。 我们可能在星夜面前流泪。

梵高揭露了所有“普通人”的妥协，他宣称“没有某种疯狂，看不到美”。

但梵高的美丽太危险了，我们只能面对他的画，不敢面对他的生命。

──蒋勋，《解读梵谷》

疯狂和正常的分界线不是人格，而是目标。 人类之所以被这样的人深深地吸引，可能是因为渴望这种单纯吧。

换句话说，《至爱梵高》不仅仅是动画片，它是一封信。 就像梵高送给弟弟的仁爱家书一样，这部动画是一群波兰动画师送上一幅由死去127年的画家和纯粹的65000幅画组成的敬意。 这是感动。 因为每个身体都用他们的方法爱着梵高。

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